Директор-Инфо №6'2008
Директор-Инфо №6'2008
Поиск в архиве изданий
Разделы
О нас
Свежий номер
Наша аудитория
Реклама в журнале
Архив
Предложить тему
Рубрикатор








 

Самые дорогие работы русских художников

Владимир Богданов

1. Марк Ротко. Белый центр. 15.05.2007. 65 миллионов долларов

2. Василий Кандинский. Фуга. 17.05.1990. 19 миллионов долларов

3. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе. 05.02.2008. 8,4 миллиона фунтов

4. Хаим Сутин. Мужчина в красном шарфе. 05.02.2007. 7,8 миллиона фунтов

5. Казимир Малевич. Супрематическая композиция. 11.05.2000. 15,5 миллиона долларов

6. Марк Шагал. Юбилей. 17.05.1990. 13,5 миллиона долларов

7. Наталия Гончарова. Сбор яблок. 18.06.2007. 4,4 миллиона фунтов

8. Константин Сомов. Радуга. 13.06.2007. 3,3 миллиона фунтов

9. Илья Кабаков. Жук. 28.02.2008. 2,6 миллиона фунтов

10. Александр Яковлев. Портрет Василия Шухаева в его студии. 13.06.2007. 2,5 миллиона фунтов

11. Иван Айвазовский. Американские суда у скалы Гибралтара. 13.06.2007. 2,4 миллиона фунтов

12. Михаил Нестеров. Явление Святому Сергию в отрочестве. 17.04.2007. 3,8 миллиона долларов

 

С критериями включения в рейтинг самых дорогих работ русских художников лучше не мудрствовать. Иначе под рассуждениями «как так и почему именно он» способна рассыпаться любая конструкция, а не только «русская дюжина». Решилось просто. Во-первых, к участию принимались только аукционные результаты — они мало того что достоверны и открыты, но обычно еще и превосходят по объективности галерейные сделки. Во-вторых, по вопросу принадлежности к русским художникам было принято принципиальное решение: считать таковыми по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР, значит, русский художник, без скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский. Ну и третье правило: один художник — одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко, разрешается так: оставляется только самая дорогая работа, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируются. Без этого, согласитесь, было бы не интересно.

Понятно, что опираться на рейтинговые цифры при принятии инвестиционных решений не более разумно, чем судить о красоте животного мира по достижениям из «Книги рекордов Гиннеса». Впрочем, одно другому не мешает и подобное любопытство можно только приветствовать.

1. Марк Ротко. Белый центр. 65 [72,84]1 миллионов долларов

Маркус Яковлевич Роткович — Маркус Ротковиц — Марк Ротко… 1903–1970.

Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и безусловно ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он нарочито отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру (что не раз бывало в истории). Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за 65 миллионов долларов, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о массовом зрителе, стал в итоге создателем картин, понятных до сих пор лишь узкому кругу интеллектуалов и ценителей, если не считать народным признанием тот факт, что имя художника стало брендом, а высокая образность работ была растащена на рекламные символы (раз Ротко, значит, круто). Наконец, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, работы которого стали центральным элементом оформления церкви всех религий (http://rothkochapel.org), закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…

Ротко, помнившему черту оседлости и казаков, вряд ли сильно понравилось бы, что его причисляют к русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке тридцатых, не случайно художник «урезал» родовую фамилию. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала — по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича — это часть России, и она будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, что интересно, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. Его собственное творчество ряд знатоков противопоставляет работам Малевича: если черный квадрат — это конец живописи, то цветовые пятна Ротко — это ее продолжение. И даже на уровне страстей Ротко предавался пороку, который в мире ассоциируется почему-то именно с русскими. Не аргумент, но еще один штрих для цельности натуры русского художника.

К своим новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х Ротко предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими особую композицию. Интеллектуальная основа его работ — это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Это единственное, на что он определенно рассчитывал, — на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие — двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля — это метафорические изображения бога.

Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам — максимум тоненькие плашки-кромки и то в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно дрожания света электрических ламп. Это растворение цвета в цвете и мягкость переходов особенно удавались маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И этот найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.

Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании — производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти три миллиона долларов — весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в тот момент уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.

Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым — с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.

Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.

Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.

2. Василий Кандинский. Фуга. 19 [22,99] миллионов долларов

Почти 17 лет картина «Фуга» — импровизация Василия Кандинского 1914 года — держала абсолютный ценовой рекорд для русского искусства. Лишь в прошлом году ее потеснил «Белый центр» Ротко. Но стоит помнить, что в 1990 году российские коллекционеры и инвесторы только-только начинали участвовать в международных торгах, капитализму в стране исполнилось года полтора, шло агрессивное перераспределение собственности и нынешним участникам рынка искусства было совсем не до вопросов коллекционирования. Можно сказать, что и рынка русского искусства в современном его понимании не было. Появись эта работа на торгах в наше время, не исключено, что рекорд Ротко мог бы и «затрещать по швам». Но теперь серьезным коллекционерам остается лишь цокать языком. Вещи класса «Фуги», сопоставимого исторического значения и художественного потенциала, выставляются на открытые торги раз в двадцать лет, а то и реже. Предугадать появление подобного шедевра невозможно, почти все они уже надежно закреплены в государственных и частных музейных и коллекционных фондах, а владельцы не планируют с ними расставаться. На удивление, 19-миллионная «Фуга» (а в пересчете на нынешние деньги цена получится, наверное, миллионов под 70) не оказалась упрятанной от лишних глаз в частном собрании, а осталась в публичном доступе. Работу приобрел Фонд Бейелеров (www.beyeler.com), и за исключением нескольких дней в году любой желающий может увидеть ее в музее Фонда Бейелеров в Базеле (Швейцария) в прекрасном соседстве с произведениями Пауля Клее, Марка Ротко, Пабло Пикассо, Френсиса Бэкона и других первых имен в искусстве XX века.

Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) — признанный русский художник мирового значения. Собственно, его подлинно новаторские идеи определили один из основных векторов развития изобразительного искусства в XX веке. Кандинский считается «отцом абстракции» — художником, который в числе первых подошел к этому открытию и дал ему теоретическое обоснование. В начале века появление абстракции было уже предопределено. «Деконструкция» классических принципов изобразительного искусства шла во всех направлениях, ставились тысячи художественных экспериментов. Так что идея витала в воздухе и сразу несколько европейских художников последовательно продвигались к ней параллельными путями, находясь кто в шаге, кто в полушаге от отвлеченной нефигуративной живописи. На «авторское свидетельство» могут претендовать слишком многие. Поэтому не существует всеми признаваемой единой даты изобретения абстракции. Срывы в абстракцию можно увидеть и в картинах Кандинского 1908–1909 годов, но именно импровизации Кандинского 1910 года, по мнению ряда специалистов, стали поворотным моментом в истории искусства. В отдельных работах именно этого года была окончательно разорвана связь с фигуративной живописью, удалены последние намеки на узнаваемые образы, появилась чистая абстракция. Не то чтобы расставание с фигуративной образностью в творчестве Кандинского произошло бесповоротно и навсегда (впоследствии он не раз к ней возвращался), но был перейден Рубикон в идеологии искусства. Так вот, человек, в 30 лет круто развернувший свою жизнь, бросивший удачно развивающуюся карьеру юриста и решивший стать художником, уже к 44 годам перенаправил реку мирового художественного процесса.

3. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе. 8,4 [9,428] миллиона фунтов

Тот факт, что Алексей фон Явленский (1864–1941) и Василий Кандинский занимают соседние места в ценовом рейтинге для русского искусства, более чем символичен. Для зарубежных ценителей живописи эти фигуры сопоставимы по своему вкладу в искусство, по своей роли в качестве идеологов экспрессионизма и абстракционизма. Другое дело, что в России Кандинский представлен в лучших музеях страны, а уроженец Торжка Алексей Явленский известен преимущественно специалистам, коллекционерам и ценителям. В музеях его вещи можно увидеть лишь на редких привозных выставках, составленных из экспонатов зарубежных музеев и частных собраний (такая выставка была в 2000 году в Русском музее) и галерейных показах (работы Явленского любят привозить зарубежные участники Салона изящных искусств). Ну и конечно, русское имя запоминается по рекордным сводкам с ведущих аукционных площадок.

Алексей Явленский покинул Россию задолго до революции и не стал, как Кандинский или Шагал, приезжать из Германии для поддержки передовых идей в искусстве во благо интересов пролетариата. Потому в наших музеях и нет его работ, но роль художника при этом не умаляется. Существуют версии, что к абстракции его знаменитый коллега по «Синему всаднику» и «Новому художественному обществу» Кандинский пришел под влиянием ряда идей Явленского. Визитной карточкой Явленского стали его тематические циклы «Медитации» (прообразы ликов с проступающим крестом), «Абстрактные головы» (условно-портретные экспрессии) и «Мистические головы». Творческий багаж Явленского, накопленный к старости, попал под каток гонений нацистов на «дегенеративное искусство», так что последние годы (Явленский умер в 1941 году, на три года раньше Кандинского) художник доживал в статусе запрещенного.

Знаменитая картина «Шокко в широкополой шляпе» — вещь другой эпохи. Шедевр экспрессионизма 1910-х, вещь, в которой хорошо заметно размывание фигуративной составляющей перед шагом в абстракцию. Кроме высокого художественного и исторического значения «Шокко» — это еще и удивительный пример инвесторской удачи. Дело в том, что в данном случае имела место повторная продажа шедевра, причем недавняя, что позволяет оценить динамику роста цены, не апеллируя к незапамятным временам. Известно, что предыдущий владелец приобрел «Шокко» на Sotheby’s в 2003 году за 7,4 миллиона долларов. Цена 2008 года — 8,4 миллиона фунтов, то есть 16,56 миллиона долларов, в 2,2 раза больше. Владелец заработал на этой картине примерно 9,16 миллиона долларов за пять лет. Случай нельзя назвать типичным, не все так дорожает, но и об уникальности речи нет. В целом же это иллюстрация того, как способны набирать в цене шедевры, особенно на фоне роста интереса к творчеству создателя.

4. Хаим Сутин. Мужчина в красном шарфе. 7,8 [8,756] миллиона фунтов

Хаим Сутин (1893/1894–1943) — русский художник мирового значения, один из самых значительных представителей «парижской школы». Это имя долгое время было мало известно на родине. Сутин — уроженец Смиловичей, сейчас уже города, а тогда еврейского местечка в 27 км от Минска. Десятый ребенок в семье портного. Художественный дар у Сутина открылся рано, но, как это часто бывает, к сожалению, не в том месте и не в то время. Мальчик начал рисовать то, что видел вокруг, а в ортодоксальной иудаистской традиции запрещено изображать людей и животных. За это ему не раз доставалось от сельчан. По легенде, Хаим однажды вознамерился нарисовать раввина. За это подростку пришлось бы совсем туго, но раввин, вероятно, оказался человеком более широких взглядов, выдал Хаиму 25 рублей (весьма значительная сумма по тем временам) и отправил учиться подальше от Смиловичей. Подальше получилось аж до Парижа, куда Сутин добрался в возрасте 20 лет. Но Париж, как и Москва, слезам не верит. Середина 1910-х — годы нищеты, неустроенности, мучительной болезни и вместе с тем, по сохранившимся свидетельствам, годы самореализации и творческого счастья. Вокруг — друзья. Модильяни, Липшиц, свобода и беспутность. Выпивка. Пушкин, открытый Сутину его другом Оскаром Мещаниновым. Потом уже полегче: первые меценаты, покупатели, ценители. Есть сведения, что работу Сутина купил себе даже мэтр Пикассо. Но конечно, представить себе, что через 90 лет за холсты художника будут биться миллионеры, было невозможно.

Сегодня можно уверенно очертить круг сюжетов, которые пользуются наибольшим спросом у коллекционеров. Кому-то не без оснований покажется, что композиции с бычьими тушам, забитой птицей, перекошенными лицами с портретов старух, нищих, простолюдинов выглядят отталкивающе. Но именно в этих вещах, где есть простор для больного сутинского красного, наиболее сильно выражается его яркий талант экспрессиониста. Историки предполагают, что эти темы Сутин принес из воспоминаний о родном местечке. Такими он запомнил лица тех людей, тот быт… Так что это своего рода возвращение, схожее с возвращением Шагала. А может, и не стоит переоценивать тоску, может, все проще: любимым художником Сутина был Рембрандт, и Сутин по-своему изображал, в частности, бычьи туши, за триста лет до него вдохновившие голландца.

В 1943 году Сутин с поддельным паспортом прячется в Париже. Обострилась язва. Еврей. Город оккупирован фашистами. Даже с поддельным паспортом в больницу опасно. Тянули до последнего, но, когда тайком доставили в госпиталь, было уже поздно: перитонит. Сохранилась легенда, что за гробом Сутина шел один лишь его коллега и поклонник — Пикассо. Друзьям художника участвовать в процессии было смертельно опасно.

Самой дорогой аукционной картиной Хаима Сутина на сегодняшний день является метровый портрет «Мужчина в красном шарфе» 1921 года, проданный на Sotheby’s в 2007 году за 7,8 миллиона фунтов (15,34 миллиона долларов). Композиционно портрет близок к другим знаменитым многомиллионным работам Сутина — «Кондитер из Каня» и «Посыльный из “Максима”», хоть и уступает им по силе.

5. Казимир малевич. Супрематическая композиция. 15,5 [17,052] миллиона долларов

Казимир Северинович Малевич (1878–1935), безусловно, входит в пятерку наиболее ярких революционеров искусства XX века в мировом масштабе. Философ, новатор, разработчик новых теоретических подходов, идеолог супрематизма, который стал визитной карточкой России на международной художественной арене. Работы Малевича — гордость лучших музеев мира и несбыточная мечта многих коллекционеров.

Венцом исследований Малевича можно назвать работу «Черный квадрат» 1915 года (в Третьяковской галерее хранится один из четырех сохранившихся вариантов). Вещь высокого метафорического значения — конец картины, конец живописи, отправная точка, требование к разработке проекта будущего. Supremus, по задумке создателя, есть высшая стадия авангарда, способная позволить себе геометрический лаконизм выразительных средств. В двадцатые годы Малевич распространил свою философскую систему в прикладные области: супрематизм лег в основу передового дизайна и архитектуры. Малевич реализовался и как педагог, открывший талант в своих многочисленных учениках, которые сохранили преданность его идеям даже в условиях гонений. В историю искусства вошли периоды его работы в Уновисе («Объединение утвердителей нового в искусстве», Витебск, 1919–1922), в Гинхуке (Государственный институт художественной культуры, 1923).

Конец 1920-х ознаменовался периодом репрессий в отношении разработчиков идей художественного авангарда. По сути, «школа Малевича» была разогнана, самого Малевича неоднократно арестовывали, подвергали пыткам. В 1927 году художнику удалось во время зарубежной командировки укрыть часть работ в Берлине и тем самым спасти свои идеи от запрета и искусственного забвения. Малевич умер в 1935 году в Ленинграде. А его лучшие работы, действительно, в течение десятилетий были похоронены в запасниках русских музеев. Увидеть их можно было, только обзаведясь знакомствами в музейной среде. Тем не менее силами специалистов и коллекционеров-подвижников (например, Георгия Костаки), информация об идеях Малевича, можно сказать, подпольными путями распространялась в кругах советской интеллигенции и оказала влияние на художественный язык представителей неофициального искусства, художников-шестидесятников.

Появление на открытых торгах работы столь высокого класса, как «Супрематическая композиция», — событие не просто исключительное, а в буквальном смысле единичное. Так что цена в 15,5 миллиона долларов — это некая условность, элемент хорошего тона. И впятеро большая сумма не вызвала бы вопросов, ибо вещи уникальные могут стоить любых денег.

Русский авангард — одно из самых востребованных, а потому и самых подделываемых направлений искусства. Поэтому вложения в авангард требуют от коллекционера и инвестора высокого уровня компетентности и осторожности. Заключения профильных экспертов высокой репутации — необходимое условие для работы с этим ценным художественным направлением.

6. Марк Шагал. Юбилей. 13,5 [16,335] миллиона долларов

Марк Захарович Шагал (1887–1985) — уроженец белорусского Витебска, художник-авангардист, прославивший русское искусство по обе стороны океана, ставший национальной гордостью не только нашей страны, но и Франции, Соединенных Штатов и Израиля. Самобытный художественный стиль Шагала — это особый экспрессионизм, обычно включающий элементы наивного искусства, приемы сюрреализма, а также слои актуальных для периода создания работы модных течений (например, кубизма).

В начале XX века Шагал — ученик Юрия Пэна, Льва Бакста, Мстислава Добужинского и Николая Рериха. После революции он включается в круговорот становления передового искусства, становится комиссаром художественных мастерских. Потом — разочарование, эмиграция, большой успех на Западе (во Франции, США) и долгий период замалчивания в России. Репрессивные информационные ограничения были сняты к 1970-м, мэтр Шагал даже приезжал в Москву на свою персональную выставку в Третьяковской галерее, где хранятся его лучшие работы, в том числе витебского периода.

Творчество Шагала в отличие от Сутина и Ротко было хорошо известно в нашей стране в позднее советское время по публикациям в альбомах и журналах. Неудивительно, что для нынешнего поколения русских коллекционеров и инвесторов работы Шагала являются престижной покупкой. Причем, при соблюдении относительно несложных правил, покупкой безопасной и инвестицинно-оправданной. Так, с вопросами подлинности помогает справляться Комитет Шагала, славящийся своим жестким отношением к подделкам. Учитывая обилие фальшивок, заключение комитета является совершенно необходимым условием того, чтобы работа вообще получила полноценный рыночный статус. На цену работы, кроме обычных параметров, очень влияет период создания. Подлинных работ Шагала на аукционах очень много — это плюс. Но инвестору необходимо учитывать, что вещи конца 1960-х — начала 1970-х годов, которые чаше всего выставляются на торги, — это работы уже старого, 80-летнего художника. Пусть сохранившего приверженность своим передовым идеям, технически безупречного, но без прежней мечтательности и энергетики экспрессиониста-новатора, что и понятно. Так что обычно поздние вещи стоят заметно дешевле.

«Юбилей» за 13,5 миллиона долларов — это 1923 год, ценнейший период, музейное значение, шедевр. Картина продана в 1990 году, так что сейчас сложно даже представить ее актуальную цену. Зато можно вспомнить, что в мае 2007 года на Sotheby’s была продана трехметровая композиция «Большой цирк». 1956 год, конечно, не 1923-й, но в это время Шагал еще фантастически плодотворно работает, воплощает новые идеи, начинает новые циклы, занимается книжной иллюстрацией, стенными росписями, литографирует. Так вот «Большой цирк» был продан за 12,25 миллиона долларов и с учетом комиссионных вплотную приблизился к «Юбилею» в номинальных цифрах. Так что при следующем появлении на торгах шедевра Шагала сопоставимого качества в эту статью наверняка придется вносить изменения. Остается отметить, что подлинные работы Шагала, нетиражная графика и живопись, представлены в довольно широком ценовом диапазоне, что делает их доступными не только для инвесторов, оперирующих миллионными бюджетами. А для удачных вещей художника ежегодный рост стоимости на треть вполне нормальное явление.

7. Наталия Гончарова. Сбор яблок. 4,4 миллиона фунтов

Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. В цепи самостоятельных творческих экспериментов Гончарова развивала идеи примитивистской живописи (неопримитивизма), включала в свои работы преобразованные элементы иконописи и лубка. Считается, что ее главным учителем стал муж, Михаил Ларионов, с которым Гончарова познакомилась в 1900 году. Пара осталась неразлучна и в жизни и в творчестве. Почти во всех выставках и в творческих объединениях художники участвовали вместе. Они экспонировались на всех ключевых выставках русского авангарда: «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень»… Эта же традиция сохранилась и в эмиграции. Не случайно на оборотах картин Гончаровой нередко можно видеть подписи Larionov с инвентарным номером, что на самом деле не более чем служебные пометки устроителей выставок: вместе выставляются, по «семейной» фамилии легче не запутаться. Гончаровой не пришлось спешно покидать Россию с началом гонений на авангард. Супруги обосновались в Европе за пару лет до революции, долгое время были обеспечены театральными заказами и до конца своих дней прожили в Париже. Считается, что наиболее высоким художественным значением обладают работы Гончаровой доэмиграционного периода и вещи, созданные до начала 1920-х годов. Рекордная картина «Сбор яблок» (4,4 млн фунтов), выполненная около 1909 года, относится как раз к ценному периоду, хотя причисление конкретной вещи к шедеврам, по мнению экспертов, и не является бесспорным.

8. Константин Сомов. Радуга. 3,3 миллиона фунтов

Его «Дама в голубом платье» (1897–1900) — одна из жемчужин Третьяковской галереи, шедевр русского символизма, вещь, погружающая зрителя в умиротворение и заставляющая сожалеть об ушедшей красивой, пусть и эфемерной эпохе. Константин Андреевич Сомов (1869–1939) — художник известный в нескольких творческих ипостасях: как представитель европейской романтической ветви русского символизма, как модернист с выверенным декоративным стилем, а также как график оформитель. Член общества «Мир искусства», ученик мастерской Репина.

Пусть не это главное, но Сомов — это еще и художник, не особо скрывавший свою нетрадиционную сексуальную ориентацию. Может, и не этим объясняются отдельные процессы, происходящие вокруг его творчества, а может быть, какая-то связь и существует. Как знать…

Работы Константина Сомова с 2006 года стали довольно навязчиво штурмовать ценовой рейтинг русского искусства. Неожиданно взятые высоты, признаться, вызвали недоумение целого ряда профессиональных участников рынка. Понятно, что, с одной стороны, декоративный символист Сомов — любимец русских коллекционеров и художник безусловно национального значения. Но, с другой стороны, суммы от 5 миллионов долларов — это уже порядок цен для крепких работ художников мирового уровня. Столько не платили, например, за лучшие вещи культового де Сталя. Или Краснопевцева. А за не лучшую вещь Сомова заплатили, что и вызвало вопросы. Сначала невыдающаяся по художественным параметрам «Русская пастораль» (1922) была продана в 2006 году на Christie’s за 2,6 миллиона фунтов, с 13-кратным превышением эстимейта. А в 2007 году значительно более убедительная «Радуга» (1927) перешла к новому владельцу уже за 3,3 миллиона фунтов с более скромным, всего лишь 5,5-кратным превышением верхнего эстимейта. В пересчете в доллары на тот момент это было 6,5 миллиона — бюджет, в котором можно подобрать довольно хорошую работу почти любого мэтра мирового уровня, включая Пикассо. «Радуга» была написана Сомовым уже в эмиграции. Художник, как и ряд его коллег, не стал возвращаться из зарубежной творческой командировки, куда выехал в 1923 году, в «закручивающие гайки» Советы. С конца 1920-х и до конца жизни художник работал во Франции. Впрочем, «Радуга» 1927 года написана в том же советско-пасторальном модернистском стиле, который Сомов развивал в 1920-е годы в России.

9. Илья Кабаков. Жук. 2,6 [2,932] миллиона фунтов

Илья Иосифович Кабаков (р. 1933) — лидер московского концептуализма, идеолог «коммунального пространства». Разработчик концепции «тотальной инсталляции», один из самых неоднозначных художников в глазах российской публики и выдающийся философ живописи для публики западной, Кабаков оказался человеком, способным рассказать что-то действительно новое искушенному зарубежному зрителю. Феномену художника Кабакова посвящены десятки книг, его творчество и теоретические разработки изучаются в университетах, подвергаются квалифицированному анализу. Любить или не любить, но такой интерес вряд ли можно поддерживать искусственно столь продолжительное время.

Магистральным направлением творчества Кабакова является концептуализм. Специфическим творческим «вдохновителем» художника стала коммуналка с ее непременными атрибутами: общей кухней, переполненностью, сварами и абсурдом. Понятно, что даже в тяжелых условиях бывает своя романтика, но смысловые уровни работ Кабакова чаще состоят в подчеркивании атмосферы подавления человека коммунальным бытом и отношением окружающих. Это работы о вынужденном превращении в «маленького человека», утешением которого может быть лишь погружение в светлые мечты. В узком смысле это вещи — притчи об агрессивном деморализующем влиянии советской среды. И не трудно представить, что в России в конце 1980-х такие идеи были не искусством, а реальностью, чем, возможно, и объясняется сложность восприятия Кабакова в своем отечестве. А вот на коммунально-благополучном Западе, где не знают, что такое картошку на балконе запасать, совсем другое дело и совсем другой угол зрения.

Так или иначе, восхождение к мировой славе Илья Кабаков совершил именно в эмиграции и стремительно — на зависть большинству других значительных представителей русского неофициального искусства, перебравшихся на Запад с наступлением перестройки. Успеха, сопоставимого с кабаковским, не было ни у кого. А у Кабакова еще в 1992-м была скандальная инсталляция, имитирующая советский общественный туалет, в котором восторженная публика строем проходила сквозь условные секции «М» и «Ж». А годом позже на выставке «НОМА, или Московский концептуальный круг», по воспоминаниям очевидцев, были толпы народа, желающего посмотреть концептуальную инсталляцию Кабакова из двенадцати железных кроватей, выстроенных в круг. И это только начало 1990-х, а потом, само собой, десятки выставок, каталоги, рецензии в ведущих изданиях со всеми вытекающими последствиями в виде заказов и высоких галерейных цен.

Собственно, о галерейных ценах мы знаем мало, эта информация редко попадает в публичное поле. Были публикации о том, что отдельные этапные инсталляции продавались в 1990-х и за полтора миллиона долларов, и дороже. Но на аукционах работы Кабакова, пробивающие миллионный барьер, стали появляться лишь в последние пару лет: картина «Номер люкс» (1981) за 2 миллиона фунтов (Phillips, 2007 год) и инсталляция «Коммунальная кухня» (1991), проданная в прошлом году тоже на Phillips за 1,21 миллиона долларов. Двухметровый «Жук» с результатом 2,6 миллиона фунтов попал в обойму «миллионеров» лишь полтора месяца назад, сразу отвоевав своему создателю несколько позиций в ценовом рейтинге русского искусства. Кабаков на сегодняшний день является автором самой дорогой работы среди ныне живущих русских художников.

10. Александр Яковлев. Портрет Василия Шухаева в его студии. 2,5 миллиона фунтов

Александр Евгеньевич Яковлев (1887–1938) — график, живописец, работавший в неоклассической традиции в период становления модерна. Член художественного объединения «Мир искусства» с 1912 года. Получивший академическое образование, Александр Яковлев разработал особый портретный стиль, в котором современный взгляд сочетался с техникой, свойственной классической традиции.

Довольно широкую известность художнику принесли художественные отчеты из этнографических экспедиций — рисунки, сангины, живопись. В 1917 году художник совершил большое путешествие по русскому Дальнему Востоку, потом по Монголии и Китаю. После революции Яковлев переехал во Францию, в Париж, где имел уверенный галерейный успех. В 1920-х — начале 1930-х вместе с несколькими экспедициями автомобильной компании Citroen совершил многочисленные путешествия в Африку, Центральную и Юго-Восточную Азию. Результаты поездок с этюдником и блокнотом оформлялись в эффектные портреты (особенно запоминаются портреты Яковлева, написанные сангиной), пейзажи и жанровые сцены из далеких стран. Изображенный на портрете 1928 года Василий Шухаев — очень неординарный человек, известный художник и давний друг Яковлева, хорошо знакомый и по другим работам мастера. В частности, их знаменитый двойной автопортрет «Арлекин и Пьеро» (1914), находящийся в экспозиции Русского музея, считается ключевой работой русской неоклассики.

11. Иван Айвазовский. Американские суда у скалы Гибралтара. 2,4 миллиона фунтов

Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — знаменитый русский маринист армянского происхождения. Его работы — своеобразный символ эпохи становления русского рынка искусства. Именно марины Айвазовского украшали обложки каталогов первых «русских торгов» и несколько лет безраздельно возглавляли списки топ-лотов. Миллион и выше долларов стали их обычной ценой. По статистике, с 2003 года на мировых аукционах было продано 15 холстов Айвазовского по цене, превышающей миллион долларов. Это без учета комиссии, а с ней еще больше. Такого результата даже и близко не было ни у одного русского художника. Словом, как есть, символ уходящей эпохи. Эпохи, когда повышенным спросом пользовался декоративный, масштабный, узнаваемый и понятный материал. Впрочем, даже скептики в отношении художественного значения Айвазовского не отрицают, что море этот живописец чувствовал потрясающе.

Уроженец Феодосии, Айвазовский получил образование в петербургской Академии художеств и почти сразу после окончания учебы уехал работать в Европу. Повидал мир, вернулся на малую родину, где проработал почти пятьдесят лет. В качестве живописца главного морского штаба Айвазовский участвовал в Крымской войне и других кампаниях, под впечатлениями которых родились многие его батальные полотна.

Одной из самых известных работ Айвазовского является хранящаяся в Русском музее знаменитая катастрофа «Девятый вал» (1850). Конечно, Айвазовский писал не только морские, но и традиционные виды (горные, степные, жанровые сцены), однако в этой работе он не был успешен. Популярность Айвазовского была столь широка, что его работы начали подделывать еще при жизни художника. И сегодня картины Айвазовского, появляющиеся на торгах, требуют тщательной атрибуции и соблюдения высокой осторожности при совершении сделок. Казалось бы, в наше время мода на Айвазовского должна схлынуть, и в общем это чувствуется. Но как бы там ни было, а 2,4 миллиона фунтов плюс комиссия — это результат всего лишь прошлого года.

12. Михаил Нестеров. Явление Святому Сергию в отрочестве. 3,8 [4,296] миллиона долларов

Картина «Видение отроку Варфоломею» 1890 года, приобретенная в свое время Павлом Третьяковым для своего музея, — это не только главная работа в творчестве Нестерова, но и вещь, заслуженно считающаяся иконой русского символизма. Настолько получившаяся и настолько полюбившаяся, эта картина была просто обречена на авторские повторения. Нестеров и не обманул ожиданий коллекционеров. Одно из «Видений...», метровый холст 1917 года, было выставлено на торги в мае 2003 года в рамках распродажи шаляпинской коллекции. Помню, как уплаченные тогда 450 тысяч фунтов плюс комиссия произвели фурор: почти миллион долларов, почти немыслимая цифра для русского искусства. У того «Видения…» был недостаток: фигуры отрока и ангела в образе монаха были смещены относительно центра композиции — художник словно пытался хоть как-то разнообразить тему. И напрасно. А вот в «Явлении Святому Сергию в отрочестве», в работе, выполненной спустя 32 года после третьяковского оригинала, Нестеров экспериментировать не стал. Художник выполнил почти полный повтор самого удачного варианта, отличающийся только размером (картина из музейного панно превратилась в вещь удобного коммерческого размера) и вариацией названия. Напомним, что отрок Варфоломей, встретивший напутствующего ангела в иноческом образе, и Святой Сергий Радонежский, духовник Дмитрия Донского, — это одна и та же историческая фигура. Сергием Варфоломей был наречен при постриге.

Известно, что картина 1922 года была написана Михаилом Васильевичем Нестеровым (1862–1942) в числе прочих работ специально к экспортной выставке–продаже русского искусства в США 1924 года, одним из организаторов которой был Игорь Грабарь. Для художников «царской эпохи», оставшихся в Советской России, 1920-е были по-настоящему тяжелыми годами. Так что для Нестерова участие в заморском проекте было редким шансом снова начать зарабатывать на жизнь творчеством. Ну и конечно, выполнение авторского повтора для 62-летнего художника было отзвуком ностальгии, поводом вспомнить молодость, время карьерного взлета и быстро пришедшей славы.

Михаил Нестеров сегодня замыкает список из дюжины фамилий русских художников — авторов самых дорогих произведений. В абсолютных цифрах разница между первым и 12-м местом составляет 61,2 миллиона долларов. Теоретически денег, уплаченных за одну только картину «Белый центр» Марка Ротко, хватило бы для покупки четырех главных шедевров русского искусства, появлявшихся на аукционных торгах за прошедшие 18 лет. Есть понимание, что замыкающие рейтинг работы Яковлева, Айвазовского и Нестерова не долго продержатся на своих позициях. Ведь 5 миллионов долларов уже не является фантастическим результатом, например, для произведений первых имен неофициального послевоенного искусства. А значит, и впредь профильные «русские торги» придется встречать с карандашом наготове: рейтинг то и дело придется переписывать. В Интернете это сделать быстрее. Да и число участников придется расширять, потому что русские художники, чьи работы продаются в значительных количествах, а цены радуют инвесторов динамикой роста, входят разве что в топ-20. Так что следите за обновлениями рейтинга на www.ARTinvestment.ru.

 


1 Здесь и далее все цены указаны в той валюте, в которой состоялась сделка, и без комиссионного вознаграждения аукционного дома. При наличии достоверной информации, цена с учетом Buyers Premium указывается в квадратных скобках. Возврат