Директор-Инфо №43'2005
Директор-Инфо №43'2005
Поиск в архиве изданий
Разделы
О нас
Свежий номер
Наша аудитория
Реклама в журнале
Архив
Предложить тему
Рубрикатор




.





 

Инвестиции в творчество представителей американского абстрактного экспрессионизма. Часть 2

Егор Молчанов

Излишний консерватизм, коим отличалась до второй половины 1940-х годов американская живопись, не пользовался особым вниманием ценителей искусства.

В 1950-х на смену консерватизму, аскетизму и сдержанности пришла агрессивность. Новые художники, уверенные в своих идеях и целях, рьяно отстаивали собственную свободу. Нью-йоркская школа живописи 1950-х, помимо ее ярчайших зачинателей М. Ротко, Дж. Поллока, А. Горки, пополнилась такими именами, как Ханс Хофманн, Клиффорд Стилл, Роберт Мозервелл, Хелен Фрэнкентэлер, Джозеф Альберс, Эд Рейнхарт, Элсворт Келли, Барнетт Ньюман, Кеннет Ноленд, Фрэнк Стелла и Эл Хелд.

Сегодня в США эти художники известны примерно так же, как в России Айвазовский, а их работы на аукционах нередко перешагивают миллионный ценовой рубеж. Однако даже истинные любители абстракционизма очень часто не могут определить сюжет того или иного полотна, при этом утверждая, что каждый из художников проповедовал свою философию, совершенно не похожую на идеи европейских живописцев.

Ханс Хофманн

Ханс Хофманн (Hans Hofmann, 1880–1966) родился и начал учиться живописи в Германии. Поначалу Ханс Хофманн увлекся импрессионистами и, решив совершенствовать свою технику, перебрался в Париж, где познакомился со многими модернистами, в том числе с Пабло Пикассо и Жоржем Браком. Его поразили и мощные линии Анри Матисса, и то, как смело он использовал цвет. Это впечатление оказалось настолько сильным, что творческое влияние Матисса можно уверенно предположить в целом ряде работ Хофманна.

После создания в 1915 году Школы современного искусства Хофманн все свободное время отдавал преподаванию, оставив собственное творчество как бы «на потом».

«Возвращение к себе» произошло после эмиграции художника в США. Работам первых лет пребывания в Америке было присуще сочетание кубистической графики с энергичностью и смелостью фовизма: центральный элемент картины был вполне определен и узнаваем, но разработку темы художник осуществлял с помощью множества ярких разлетающихся мазков. Для достижения драматического эффекта Хофманн использовал очень яркие краски основных цветов, а толщина красочного слоя порой достигала у него полутора сантиметров.

Картина «Красная струйка» (1939) стала первым опытом в технике разливания красок по холсту, которая затем успешно использовалась Джексоном Поллоком и другими представителями абстрактного экспрессионизма.

В историю живописи Хофманн вошел не только как хороший художник, но и как замечательный преподаватель: современное искусство без его учеников, без Ларри Риверса и других, было бы иным — возможно, куда менее интересным.

Стоимость произведений Хофманна не так высока, как работ Ротко или Поллока. Его картины могут заинтересовать средних инвесторов. Аукционная статистика пока не упоминает цены продаж, превосходящие миллион долларов. Рекорд стоимости принадлежит картине «В верхних областях», проданной за 980 тысяч долларов1.

Работы, созданные до переезда художника в США, редко стоят дороже 50–70 тысяч долларов и не считаются особо ценными. Наиболее интересны с инвестиционной точки зрения картины, написанные после 1958 года (после того как Хофманн отошел от активной преподавательской деятельности). Их цена колеблется в диапазоне 150–500 тысяч долларов, в зависимости от уровня работы. Чем больше в картине «искусства действия» и чем ярче краски, тем дороже она будет стоить. Годовая доходность таких произведений составляет 10–15 %.

Статистика продаж показывает, что 70 % аукционных лотов Хофманна продаются выше верхних эстимейтов. Это говорит и о популярности художника на рынке искусства, и о высокой ликвидности его работ. Так, в среднем в год на американских аукционах продается 20–30 картин художника, написанных маслом. Инвесторы могут действовать по такой схеме: выбрать лучшую вещь не только по году создания, но и по качеству, спокойно выждать год, после чего выставить ее снова в том же или другом аукционном доме, но непременно в США, и получить прибыль.

Роберт Мозервелл

Охарактеризовать творчество Роберта Мозервелла (Robert Motherwell, 1915–1991) можно его собственными словами: «Необходимо знать,— говорит он в своей декларации, — что искусство не является национальным. Быть просто американским или французским художником — это значит быть ничем. Не суметь превзойти свою первоначальную окружающую обстановку — значит никогда не постигнуть человеческую природу».

Не каждый художник наделен временем, способностью, а главное, желанием быть философом или ученым. Мозервелл обладал подобным даром в избытке. Больше всего его интересовали история и фольклор Испании; поражение республиканской Испании живописец переживал как личную трагедию. Этому событию посвящена самая известная сегодня серия его работ: в ней царят черные фигуры, скорбные и символичные, заслоняющие собой все другие цвета.

Мозервелл создал огромное количество работ. Около 30 % из них сегодня размещены в музеях, остальные доступны арт-рынку, причем, как правило, по не очень высоким ценам: в основном — до 100 тысяч долларов. Более высокие аукционные результаты показывают произведения, созданные в период 1950–1975 годов, в особенности из серии элегий, посвященных войне в Испании. Так, картина «Элегия к испанской республике № 71» ушла в ноябре прошлого года на Christie’s в четыре раза выше нижнего эстимейта, за 2,6 миллиона долларов.

Особой отдачи от вложений в произведения Мозервелла ждать не стоит. По оценке аналитического ресурса artprice.com, 100 евро, условно вложенные в его работы в 1997 году, к июню 2005-го превратились бы в 186 евро. Но это — усредненный показатель, учитывающий графику и т. д. В реальности годовая доходность колеблется от 10 до 15 %, иногда — до 20 %, в зависимости от качества работы. Вкладывая средства в «испанские элегии», инвестор, бесспорно, останется в выигрыше и сможет извлечь прибыль, даже превышающую 20 % годовых, но от остальных картин подобного дохода ожидать не следует.

Джозеф Альберс

Один из лидеров геометрической абстракции Джозеф Альберс (Josef Albers, 1888–1976), немец по происхождению, начинал свое творческое образование в знаменитой школе Баухаус в Веймаре. Главным наставником Альберса был Ласло Мохой-Надь, под конструктивистским влиянием которого Альберс перешел от экспрессионистических литографий весьма среднего уровня к абстрактно-геометрическому стилю. Большую часть времени он стал уделять диафаниям, прозрачным композициям на стекле, исполненным с помощью пескоструйного аппарата. Альберс использовал только квадратные оконные стекла, на которые наносил изображения геометрических фигур. В последующие годы Альберс работал на стекле в разработанном им «стиле термометра» и создавал эскизы предметов мебели, металлических сосудов, а также изделий из стекла. До 1933 года он работал и как дизайнер, и преподавал в школе в Дессау.

После того как нацисты закрыли Баухаус, Альберс эмигрировал в Америку. В колледже Блэк-Маунтин в Эшвилле (штат Северная Каролина) учениками мастера были такие художники, как В. де Кунинг, Р. Мозервелл, Р. Раушенберг.

Необычные эффекты взаимодействия цветов и взаимовлияния форм настолько привлекали Джозефа Альберса, что он решил посвятить свое творчество геометрическим фигурами, выбрав в качестве основной из них квадрат. По замыслу Альберса зритель должен уделять внимание разнообразию цветов и их пересечению. Он, например, заявлял, что в его палитре восемьдесят видов желтого цвета. В Эшвилле был создан «Цикл скрипичного ключа», в котором Альберс впервые осуществил цветовое варьирование неизменяемой формы. В наиболее известном цикле Альберса — «В честь квадрата» — главными модулями служат квадраты, как бы «вложенные» один в другой и составляющие разнообразные хроматические «фуги».

Несмотря на то, что по художественным особенностям работы Альберса превосходят произведения многих других представителей абстрактного экспрессионизма, заработать на них много, к сожалению, нельзя. От 100 до 300 тысяч долларов стоят работы из серий «В честь квадрата» и «Цикл скрипичного ключа». И с инвестиционной точки зрения они были бы тоже привлекательны, если бы не их количество: в год продается до 70 произведений художника, очень похожих друг на друга композиционно и стилистически, поэтому особенной доходности от этих вложений ожидать не стоит, хотя, по оценке artprice.com, 100 евро, условно вложенные в творчества Джозефа Альберса в 1997 году, к июню 2005-го превратились бы в 229 евро. За 2003 и 2004 годы оборот картин Альберса увеличился на 200 %, что говорит о повышающемся спросе на его произведения. При этом доля непроданных работ составляет всего 12 %, что является одним из самых низких показателей на рынке искусства.

Заметим, что высокий уровень продаж отмечен не только в США, но и в Англии, где большую часть участников аукционов составляют европейские коллекционеры. Это, безусловно, плюс для инвестора.

При удачном для инвестора стечении обстоятельств, а именно при условии владения работой высокого качества и столь же бурных темпах развития рынка живописи, на вложении средств в картины Альберса можно зарабатывать от 30 до 50 тысяч долларов в год. Но это идеальный вариант развития событий. В среднем отдача от инвестиций на сегодняшний день составляет 20–25 тысяч долларов в год при условии, что вложены они в работы стоимостью не менее 100 тысяч долларов.

Барнетт Ньюман

Полноценную творческую деятельность Барнетт Ньюман (Barnett Newman, 1905–1970) начал довольно поздно, еще несколько лет он потратил на поиски стиля, который, по его мнению, мог бы передать священное назначение искусства. Ньюмана, который изучал каббалистические тексты и много размышлял над таинственным смыслом Ветхого Завета, всегда интересовал доисторический хаос, из которого Бог сотворил порядок. Он видел в этом парадигму художника, который смотрит на хаос своего опыта и на его основе вырабатывает все разнообразие порядка.

Инвестиции в творчество Ньюмана могут оказаться рентабельными только в том случае, если инвестор знаком или располагает сведениями о коллекционерах, собирающих картины данного художника. За последние 15 лет через аукционы прошли всего 14 работ, написанных маслом, а ценовой диапазон их огромен: половина работ едва дотянула до уровня 7 тысяч долларов, тогда как оставшиеся продавались по ценам от 170 тысяч до 3,5 миллиона долларов.

Лучшие работы художника, созданные после 1945 года, очень высоко ценятся любителями американского абстракционизма. И если в руки инвестору попадает полотно подобного уровня, то эту вещь можно назвать маленьким кладом, так как наверняка найдутся желающие приобрести раритет на несколько сотен тысяч долларов дороже. Точные цифры доходности назвать нельзя: рынка как такового не существует. Аналогичная ситуация с графикой, стоимость которой колеблется от 100 до 300 тысяч долларов: вполне возможно продать графическую работу на несколько десятков тысяч долларов дороже. Таким образом, вложения в творчество Ньюмана хоть и доходны, но очень рискованны. Кстати, сегодня существует множество подделок мастера, внешне трудно отличимых от оригиналов.

Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла (Frank Stella, род. 1936) не стремился к общественному признанию и публичной деятельности. Он отказывался участвовать в громких акциях экспрессионистов, а лучшими считал произведения, абсолютно не соответствующие канонам живописи, но в то же время своей чистотой и силой радующие глаз зрителя.

Индивидуальный стиль художника начал складываться к конце 1950-х в серии «черных картин» — холстов, затянутых черными полосами, разделенными узкими белыми промежутками. Изменяя порядок и размер этих полос, мастер сосредоточился на проблемах чистой визуальности.

После 1960 года появляются серии «алюминиевых» и «медных» картин. Полосы на них написаны красками соответствующих металлических оттенков. Стелла отказался даже от традиционной геометрически правильной формы холста: его полотна в форме букв T, U и L были призваны полнее отразить художественный замысел автора. В середине 1970-х годов Стелла создает крупные криволинейные работы, расчерченные с помощью лекал (цикл «Экзотические птицы», с 1976). В дальнейшем эксперименты с плоской формой сменились работой с объемами: вводя в композиции обрезки стальных труб и проволочной сетки, художник стремился к дополнительной рельефности. В 1982–1984 годах по мотивам графики Лисицкого Стелла исполняет плоскостные и рельефные вариации, тем самым отдавая дань конструктивизму. В более позднем пространственно-трехмерном цикле «Серия волн» (1985–1989) четкий геометризм сменяется типичными для постживописной абстракции размытием границ между живописью и декоративным искусством.

Чтобы извлекать прибыль из вложений в произведения Стеллы, надо досконально разбираться в его творчестве. Так как творческий стиль художника изменялся на протяжении всей его жизни, то и стоимость полотен варьируется в зависимости от года создания. Пиком художественного развития Стеллы считаются шестидесятые годы прошлого века — полотна этого десятилетия редко продаются дешевле 200 тысяч долларов. (Хотя самая дорогая картина художника «Бетлемский госпиталь», проданная за 3,9 миллиона долларов, была создана в 1959 году.) Вложения в работы 1960–1970 годов способны приносить инвестору годовой доход, превышающий 20 % стоимости картины. Особенно это касается холстов с измененной формой.

Работы, созданные после 1970 года, также должны привлечь интерес коллекционеров и покупателей. Продаваться они могут как за 100, так и за 500 тысяч долларов. Картины высокого качества 1970–1980-х годов не так уж часто встречаются на рынке, поэтому привлекательны они своей редкостью, а соответственно, доходностью в 15–20 % в год. Конечно, бывают случаи, когда стоимость той или иной работы может подскочить на 100 % за 12 месяцев, но это уже зависит от самой картины или независимых процессов на рынке искусства.

Недостатком творений Стеллы в глазах коллекционеров и инвесторов наредко становится их размер. Он может быть как метр на метр, так и в три раза больше.

Несмотря на кажущуюся высокую доходность, вложения в творчество Стеллы сопряжены с рисками, обусловленными чрезвычайной разноплановостью и неоднородностью его во многом экспериментальных работ.

Кдиффорд Стилл

Клиффорд Стилл (Clyfford Still, 1904–1980) часто намеренно менял даты и названия своих работ, чтобы позлить тех, кто захотел бы проанализировать его творчество. Стилл твердо заявлял, что любые объяснения унижают его достоинство и что картины, если рассматривать их спокойно и без того, что он называл схоластическим запугиванием, все расскажут о себе. Большинство его картин создано одинаковым образом: огромный прямоугольник он покрывал большими цветовыми пятнами.

Кто-то считает, что работы художника наполнены необычайной энергией, кто-то скажет, что это просто разлитые по холсту краски. Мнений может быть много, но факт остается фактом — полотна Стилла продаются намного дороже всех ожиданий. За последние 16 лет через аукционы прошли всего 18 его картин, поэтому каждую работу можно считать раритетом. К тому же итоги продаж впечатляют. Самая дешевая из четырех последних вещей ушла за 1,05 миллиона долларов, а самая дорогая за 2,8 миллиона долларов. Интересны названия работ — «1945- R», «1950-T», «1960-F» — в зависимости от даты создания.

Инвестиции в подобные картины весьма выгодны. Годовая доходность по ним, особенно по произведениям, созданным после 1945 года, может составить до 30 %.

Эллсуорт Келли

Сумма, вырученная в 2004 году от продаж работ Эллсуорта Келли (Ellsworth Kelly, род. 1923), позволила ему занять 95 место в рейтинге «самых продаваемых и дорогих» художников.

Об Эллсуорте Келли может сложиться впечатление как о чистом абстракционисте, который изобретает формы и цвета и обыгрывает их. Однако основа его искусства не в этом. Он всегда движется от конкретной формы, которую затем выделяет подходящим цветом. Раскрашенная форма, по его убеждению, уже сама по себе становится источником удовольствия. Его творчество — это движение от наблюдения через работу воображения к конечному результату. Стилистически Келли похож на Марка Ротко. Он также использует всего несколько цветов, но располагает их по-разному на картине, в различных геометрических структурах.

Несмотря на наличие работ художника на каждом крупном аукционе, посвященном современному искусству, найти масло Келли меньше, чем за 300 тысяч долларов очень трудно. Отметим, что среди всех представителей американского абстракционизма Келли единственный, чьи работы нельзя купить сегодня даже за 100 тысяч долларов. Средняя стоимость творений художника 700–800 тысяч долларов. Миллионные продажи Келли уже стали нормальной практикой, как и многократное превышение верхних эстимейтов.

В 2004 году цены на работы Келли достигли максимальных значений. Лотов было продано в два раза больше, чем в 2003 году, да и оборот по его полотнам достиг 4,1 миллиона долларов. Владельцы работ на данном скачке цен заработали более 40 % годовых.

Вообще, картины Келли привлекательны для крупных инвесторов. 80 % его картин, написанных маслом, показывают годовую доходность более 25 % в год. По данным artprice.com, 100 евро, условно вложенные в работы Келли в 1997 году, к июню 2005-го превратились бы в 266 евро.

Недостатком работ Келли, как и многих американских художников, является их гигантский размер. По остальным показателям «безразмерные» творения Келли не менее доходны, чем работы тех же экспрессионистов и импрессионистов, правда, только на американском рынке искусства.

Итак, американский рынок искусства мало чем отличается от европейского за исключением других имен художников и, соответственно, коллекционеров. Только в США картины покупают, едва услышав громкое имя мастера. По доходности американский рынок в некоторых случаях даже перегоняет европейский. Но основное отличие этих рынков заключается в том, что в Европе коллекционеры приобретают произведения искусства, четко отдавая себе отчет в том, за что они платят, и отлично понимая, почему это стоит таких денег. В Америке же добрая половина покупателей не сможет объяснить, почему они выкладывают шестизначные суммы за сочетание цветов или пересечение линий. Наверное, все дело в патриотизме американцев, которые пытаются в первую очередь доказать, что у них тоже есть свои художники. Инвесторам же это только на руку, так как повышает ликвидность работ абстрактных экспрессионистов и дает возможность получить хорошую прибыль.

 


1 На сайте аукционного дома Sotheby’s указана иная цена этой продажи: 1 105 600 долларов, но и то, и другое верно. Изучая цены аукционных продаж, следует обращать внимание, учитывается ли в них сумма Buyers Premium — комиссионного вознаграждения аукционного дома. Так, на сайтах аукционов, например www.sotheby’s.com, премия включена в окончательную цену продажи, а аналитический портал www.artprice.com приводит «чистую» стоимость картины. Именно этим, как правило, вызваны ценовые расхождения по одним и тем же торгам. В тексте статьи цены аукционных продаж приведены без учета Buyers Premium; в подписях под рисунками — с учетом комиссии. Возврат