Директор-Инфо №42'2005
Директор-Инфо №42'2005
Поиск в архиве изданий
Разделы
О нас
Свежий номер
Наша аудитория
Реклама в журнале
Архив
Предложить тему
Рубрикатор








 

Инвестиции в творчество представителей американского абстрактного экспрессионизма

Егор Молчанов

Произведения искусства продолжают оставаться одним из самых прибыльных объектов для инвестирования. С точки зрения доходности арт-рынок не только не уступает, скажем, рынкам ценных бумаг и недвижимости, но во многих случаях выигрывает у них с явным преимуществом. Например, стоимость лондонской недвижимости за период январь 2001 — июль 2005 поднялась на 91 %, что на 1 % меньше аналогичного показателя роста лондонского рынка искусства. Если же учитывать все виды и объекты возможного инвестирования в той же Англии, то в среднем наибольшую доходность в 22,3 % годовых на протяжении последних трех лет показывает рынок искусства.

За океаном дела обстоят несколько хуже. Индекс рынка искусства в США за последние четыре года вырос всего на 47 %, что в два раза ниже, чем в Лондоне. Судя по всему, американские инвесторы все же предпочитают финансовые рынки. Тем не менее американский рынок живописи живет куда более бурной жизнью, чем нам кажется. Работы многих художников, имена которых известны не всем европейским коллекционерам и инвесторам, уходят на американских аукционах за баснословные деньги. Если в Европе внимание покупателей привязано к французским, немецким, голландским, русским художникам, то жители США предпочитают покупать большей частью работы своих мастеров. В Соединенных Штатах функционирует собственный, абсолютно не связанный с европейским, рынок искусства.

Сегодня наиболее привлекательна с точки зрения инвестирования живопись американских абстрактных экспрессионистов.

Едва появившись, американский абстрактный экспрессионизм (первое сколько-нибудь серьезное течение в живописи, возникшее в США) сразу стал очень популярным и прочно занял свою нишу на международном рынке искусства. Хотя на фоне бурного возмущения американцев, впервые увидевших в 1913 году большую выставку европейского авангарда, само возникновение и уж тем более победа нового искусства в Америке выглядит по меньшей мере неожиданно.

В США подъем абстракционизма пришелся на середину 1940-х.

Лидерами этого движения были Аршил Горки (Горький), Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Марк Ротко и Франц Клайн. К нему принадлежали и такие интересные художники, как Ханс Хофманн, Клайфорд Стилл, Роберт Мазеруэлл и Хелен Фрэнкентэлер. Нельзя обойти вниманием и Джозефа Альберса, Эда Рейнхарта, Элсворта Келли, Барнетта Нюманна, Кеннета Нолэнда, Фрэнка Стелла и Эла Хелда.

В военное и послевоенное время американцы не раз имели возможность убедиться в том, что вложения в искусство (в том числе и в современное искусство) надежны и доходны. Те, кто вовремя это осознал, сказочно разбогатели.

Доходность, которую сегодня показывают работы американских художников, должна заинтересовать всех крупных и средних инвесторов.

Аршил Горки

Один из лидеров американского абстрактного экспрессионизма Аршил Горки (1904–1948) родился не в Америке, а в турецком местечке Хорком. Война и страшные события 1915 года (геноцид армянского народа в Турции) вынудили семью молодого Возданика Адояна (настоящее имя Аршила Горки) переехать сначала на Кавказ, а затем эмигрировать в США. Там, под псевдонимом, получившимся в результате слияния имени Аршил (армянского «Ахилл») с фамилией Горки (в честь М. Горького) он и начал свой творческий путь.

Сначала были работы традиционно-фигуративного рода, потом — долгие поиски собственного творческого стиля. Огромное влияние на Горки оказало творчество Кандинского, Матта и Пикассо, чьи полотна он копировал чаще, чем картины других художников, обучаясь и пытаясь проникнуть в тайны мастерства. Со временем, приобретая уверенность в собственных силах и все более удаляясь от своих «учителей», Горки ближе и ближе подходил к беспредметному и в конце концов утвердился в жанре абстрактного экспрессионизма, став одним из самых признанных его мастеров.

Горки создавал красочные, загадочные полотна, с зыбкими формами, как будто живущими на цветном фоне: «Лист артишока, как сова», «Как вышитый передник моей матери разворачивается в моей судьбе», «Печень, как петушиный гребень».

Аршил Горки относится не только к любимцам американских коллекционеров, но и к наиболее высокодоходным художникам США. Максимальный эстимейт, когда-либо объявлявшийся на его работы, составляет 6–8 миллионов долларов. («С высоты», Sotheby’s, 12.11.02), но лот остался непроданным. А рекорд стоимости принадлежит полотну «Аромат абрикосов на полях», за которое было уплачено 3,6 миллиона долларов. В целом пяти- или шестизначные суммы характерны для масла периода 1936–1946 годов. Редко работы этого времени уходят ниже 300-400 тысяч долларов, и даже графика может стоить более полумиллиона долларов. Соответственно, данный период наиболее высокодоходен с инвестиционной точки зрения. Ценовой прирост в год может достигать 20 %.

Как правило, работы Аршила Горки продаются с двух- или трехкратным превышением эстимейтов и, как ни странно, по завышенным ценам. Очень много зависит от уровня картины, так как даже работы маслом 1946-1947 года иногда стоят всего 40–60 тысяч долларов. В этом случае столь странная стоимость объясняется низкими художественными качествами произведения или отсутствием каких-либо документов, подтверждающих его подлинность. Не выше 120–150 тысяч долларов стоят и работы, созданные до 1936 года. Да и назвать их особо интересными с инвестиционной точки зрения нельзя. Графика художника, вне зависимости от периода создания, стоит в основном от 20 до 100 тысяч долларов. Но, как было сказано выше, цены отдельных высококлассных работ могут достигать и 600, и 800 тысяч долларов.

Стоит остерегаться подделок. Известно, что большая часть работ Аршила Горки погибла в результате пожара в студии художника в 1946 году, и сегодня фальсификаторы выводят на рынок якобы уцелевшие после пожара картины.

Аршил Горки еще привлекателен тем, что он известен не только в Америке, но и в Европе, поэтому продать его картины будет легче, чем другие образцы американского абстрактного экспрессионизма. Число работ-«миллионеров» с каждым годом растет, и причин для остановки ценового роста нет. Вполне возможно, что Горки в ближайшее десятилетие догонит по стоимости работ другого американского художника Джексона Поллока.

Джексон Поллок

Творческий подъем Джексона Поллока (1912–1956) начался в конце 1930-х годов под сильным влиянием экспрессионизма и творчества мексиканских художников Хосе Клементе Ороско и Давида Альфаро Сикейроса.

Постепенно предметная живопись начала пути сменялась в работах Поллока (например, «Пламя», 1934–1938) стремлением к европейскому авангарду: его интересовали работы Пауля Клее, Жоана Миро и Пабло Пикассо, а также Макса Эрнста, чья «капельная техника» (Эрнст наносил капли на бумагу) буквально гипнотизировала его.

Можно сказать, что к 1943 году период экспериментов в основном завершился и у художника сложилась индивидуальная узнаваемая абстрактная манера живописи; в том же году в Нью-Йорке была организована его первая персональная выставка. В 1944 году Поллок пишет полотно «Готика», в котором уже полностью отказывается от фигуративных элементов.

В произведениях Поллока при всей их оригинальности ощутимо влияние сюрреализма и наиболее нервных, гротесковых образов Пикассо. С 1947 года художник начал использовать дерзкие, революционные методы, которые стали предметом бурных дискуссий и в конечном итоге принесли ему всемирную известность. Вместо того чтобы писать кистью, он расплескивал алюминиевую краску или фабричные лаки на расстеленный на полу холст и вычерчивал густую, блестящую паутину линий при помощи разнонаправленных ударов веревки. Целью художника было «напрямую переносить творческий процесс на полотно». Так, он открыл для себя так называемый «капельный» метод, позволивший ему вплотную приблизится к своей цели: полотно он клал на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти или из продырявленного ведра. О своей манере работы Поллок отзывался так: «На полу я являюсь частью картины».

Он всегда утверждал, что каждая стадия работы над картиной им продумана и выверена, говорил, что в процессе творчества он активизировал свое подсознание, впадал в состояние, близкое к трансу, и тогда создаваемые образы возникали сами собой и ему лишь оставалось, следуя за ними, водить по холсту кистью.

После международного успеха на одной из выставок Поллок, которого критики успели наречь «Джеком-каплеметателем» («Jack, the Dripper») по аналогии со знаменитым «Джеком-потрошителем» («Jack, the Ripper»), пережил в начале 1950-х тяжелый кризис, выйти из которого пытался с помощью алкоголя.

Закончилось все это плохо: из его картин исчез цвет, он стал использовать лишь одну черную краску. Многие работы нумеровал, оставляя без названий, «чтобы зритель видел в картине именно то, что она собой представляет, — обнаженную живопись». Помимо использования «капельной» техники, Поллок работал энергичными широкими штрихами. При этом он часто обращался к фигурным мотивам.

Симптомы психического заболевания у Поллока проявлялись все чаще, многократные курсы лечения успеха не приносили. В 1956 году Поллок погиб в автокатастрофе в Ист-Хэмптоне (штат Нью-Йорк) в возрасте 44 лет.

На международных аукционах появляется не так много работ художника: за последние пять лет их было всего 9, все — написаны маслом. Но суммарный итог их продаж равняется 24,5 миллиона долларов. В эту сумму входит рекордсмен стоимости среди всех творений Поллока на данный момент: полотно «Номер 12», проданное на Christie’s в два раза выше нижнего эстимейта, за 10,4 миллиона долларов. Второе место по цене продажи занимает картина «Черное и белое, номер 6», ушедшая с молотка в 2001 году за 7,2 миллиона долларов. Что и говорить, подступиться к творениям Поллока могут только крупные инвесторы. Самыми популярными у покупателей являются нумерованные картины — без названий: их стоимость начинается от миллиона долларов. Причем это касается как масла, так и графики.

Доходность инвестиций в произведения Поллока можно проследить на элементарном примере. Если в конце 1980-х годов творения Поллока продавались за 0,8–1,5 миллиона долларов, то сегодня аналогичные работы уходят за 3–5 миллионов долларов. Выгоднее вкладывать средства в произведения, созданные после 1940 года, когда уже вполне сформировались черты его признанного художественного стиля.

Процесс роста стоимости работ Поллока остановится еще не скоро. Можно утверждать с большой вероятностью, что цены на полотна Пита Мондриана — учителя Поллока — они, по крайней мере, догонят. Напомним, в 2004 году на одном из аукционов Sotheby’s работа Мондриана ушла за 20 миллионов долларов.

Поллок относится к самым дорогим художникам не только Америки, но и всего мира. Даже графика художника уходит за пятизначные суммы. Ну а чтобы графика на рынке искусства оценивалась в 1,5–2,5 миллиона долларов — это нонсенс, однако в 1998 году графическая «Композиция с красными треугольниками» предлагалась покупателям именно за такую сумму. Желающих не нашлось даже несмотря на то, что фрагментарно на полотне присутствует масло. Графика менее популярна у покупателей, чем масло, так как творить «живопись действия» с помощью карандашей или акварели не так просто. Тем не менее имя Поллока-новатора автоматически повышает стоимость графики до небывалых высот. Можно привести не один и не два примера, когда графические работы уходили выше 500-700 тысяч долларов. А результаты в 200 или 300 тысяч долларов сегодня воспринимаются как закономерные.

Интересно, что в технике большинства произведений, созданных не маслом, присутствуют чернила. Ведь их, как и масло, можно разбрасывать в хаотическом порядке по холсту или бумаге. Но с инвестиционной точки зрения, конечно, выгоднее вкладывать в масло.

Во-первых, оно реже появляется на рынке искусства, а значит, покупатели будут бороться за каждую выставленную работу до максимального результата. Во-вторых, оно ярче отражает всю идею и мощь стиля Поллока.

Как и Аршил Горки, Поллок широко известен среди коллекционеров и инвесторов в Европе, поэтому особенных проблем с продажей владелец работ не испытает. Однако наиболее благоприятными потенциальными покупателями являются американцы, считающие Поллока одной из самых выдающихся фигур ХХ века, символом американской живописи.

Подделать стиль мастера профессиональному художнику не особенно сложно, а вот установить подлинность творений абстракциониста можно только в США с помощью химической экспертизы.

Марк Ротко

Блестящий американский абстракционист Марк Ротко (1903–1970) родился в Латвии. Настоящее его имя — Маркус Роткович.

В 1913 году семья будущего художника эмигрировала в США, в 1923 году в Нью-Йорке Марк Ротко начал посещать занятия Лиги изучающих искусство, которые проходили в основном под руководством Макса Вебера, и в 1929 впервые выставил свои работы.

Его произведения этого времени представляют собой композиции, романтические по духу и стилистически близкие экспрессионизму. В 1940-е годы живопись Ротко быстро эволюционировала от мечтательных полуабстрактных композиций на сюжеты из греческих трагедий к абсолютно беспредметным формам. К началу 1950-х годов он упростил структуру своих картин до двух, иногда трех зон яркого чистого цвета. С конца 1950-х годов Ротко занимался в основном созданием монументальных композиций для украшения зданий.

Было бы слишком наивно предположить, что Ротко исполнял свои произведения по неким формулам, хотя, действительно, его картины можно узнать с одного взгляда — закрашенные вытянутые прямоугольники или квадраты, наложенные на однотонный светлый фон. Ротко глубоко расстраивало, когда люди бездумно восхищались его великолепной цветовой гармонией. Он полагал, что каждая картина уникальна, а в совокупности их надо воспринимать как среду, в которой художник мог выразить свое видение характера человека.

Иногда кажется, что любой ребенок смог бы нарисовать подобную картину. Что сложного — разделить холст на три части и покрасить их в разные цвета? Однако Ротко был первым, кто придумал такой стиль живописи и подкрепил его теорией.

Новаторство Ротко было вполне оценено публикой. Уже в конце 1980-х — начале 1990- х замысловатые полотна художника уходили за несколько миллионов. Что говорить о дне сегоднешнем, когда абстракционизм завоевывает признание все большего количества людей!

Если кто и может составить импрессионистам конкуренцию по стоимости работ, то это Марк Ротко. Подступиться к ним сможет далеко не каждый крупный инвестор. Результаты последних продаж работ Ротко впечатляют: 5 миллионов, 9 миллионов, 7 миллионов долларов. Так, в ноябре 2004 года на аукционе Sotheby’s «Импрессионизм и современное искусство» полотно Ротко «№ 6 (Желтый, белый, синий поверх желтого на сером)» было продано за 15,5 миллиона долларов, а годом ранее аналогичная работа «№ 9 (Белый и черный на темно-красном)» ушла с молотка за 14,6 миллиона долларов. Тогда же покупателям предлагалась работа с эстимейтом 15–20 миллионов долларов, но желающих ее приобрести не оказалось.

Произведения Марка Ротко стоимостью в миллионы долларов объединяет то, что в их названиях в большинстве случаев присутствуют цвета красок, которыми выполнена работа, или, как и у Поллока, номера. Дешевле 1-2 миллионов долларов такие работы не продаются никогда. Стоит отметить, что 70 % лотов уходит выше верхних эстимейтов, что говорит о высокой популярности художника на рынке искусства в данный момент.

Безусловно, работы Ротко высокодоходны. Но дело не в процентном приросте за год, а в стоимости творений мастера. Даже если цена картины за год выросла на 2–5 %, но стоит она 5-7 миллионов, то доход от этой работы составит 200-300 тысяч долларов. И это минимальные результаты. Вся сложность определяется той суммой, которую надо первоначально заплатить за работу. Поклонников творчества Ротко в мире достаточно, но найти мультимиллионера, который бы согласился приобрести картину за такие деньги, бывает не так просто. Вкладывать средства имеет смысл только в произведения, созданные после 1948–1950 годов. Они привлекательны как с инвестиционной, так и с художественной точки зрения.

Другая проблема, с которой могут столкнуться инвесторы, пожелавшие вложить средства в творчество Ротко, — это размер его работ. Зачастую и длина, и ширина полотен превышают один метр, поэтому найти для них подобающее место будет сложно. Выход из положения — оставить приобретенную картину в хранилище надежного банка.

Графика Ротко продается совсем по другим ценам. Работы, созданные до 1948 года, стоят от 10 до 50 тысяч долларов, но они совершенно бесполезны для инвесторов и часто остаются непроданными. Более поздняя графика продается за 100–500 тысяч долларов, в зависимости от качества работы, хотя иногда мелькают результаты всего в несколько десятков тысяч долларов, но это, скорее всего, фальшивые вещи. 95 % всех вещей, проходящих через аукционы, продаются на Sotheby’s и Christie’s (в Лондоне и Нью-Йорке).

Как и в случае с Поллоком, следует убедиться в подлинности картины. Фальшивые работы Ротко появились еще при жизни художника, а уж сегодня он стал одним из самых подделываемых мастеров.

Франц Клайн

Для многих абстрактных экспрессионистов всегда существовала опасность шаблона: достаточно вспомнить хотя бы прямоугольники Ротко или полотна Поллока, забрызганные каплями краски. Работы Франца Клайна (1910–1962) легко узнать, у него также есть то, что можно назвать фирменным знаком.

«Махонинг» — прекрасный образец творчества Клайна периода расцвета. За крупными черными мазками на белом фоне скрывается сложная и тонкая работа. Клайн говорил, что последней проверкой этой картины был вопрос самому себе: «Понятны ли эмоции художника зрителю?»

Работы Клайна сравнивали с произведениями китайской каллиграфии, хотя на самом деле источником вдохновения художнику служили очень простые образы. Гуляя по Нью-Йорку в период его бурного развития, он был захвачен видом строительных лесов на фоне неба — узором, который они создавали, лабиринтами лестниц и шестов.

Клайн создавал большие и энергичные формы, указывающие на величие духа и отсутствие границ, — мы видим, что изображение уходит за края холста.

С возрастом Клайн почувствовал стремление к сглаживанию резких контрастов, присущих его искусству, и стал применять цвет; позднейшие работы стали сложнее, но они отнюдь не оставили в тени более ранние, но от этого не менее интересные произведения.

Работы Клайна пока еще можно приобрести относительно недорого. В частности, небольшие произведения, созданные до 1950 года, то есть картины не самого высокого качества, могут стоить от двадцати до пятидесяти тысяч долларов. С точки зрения вложения средств покупки данных работ, так же как и графики Клайна, абсолютно невыгодны. Особенно стремительного роста цен ожидать не стоит, да и доходность их столь низка, что лучше просто положить деньги в банк.

Вместе с тем диапазон стоимости произведений художника весьма широк: статистикам известны миллионные продажи. Рекорд принадлежит картине «Танцующий индеец племени Кроу», проданной 11 мая 2005 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 5,7 миллиона долларов. В среднем же цены работ Клайна высокого качества составляют 1-2 миллиона долларов. Именно столько стоит большинство картин, созданных в конце 1950-х годов — в период расцвета живописи художника.

О том, насколько выгодны вложения в творчество Клайна, сказать трудно: еще нет репрезентативной статистики продаж. По оценке artprice.com, 100 евро, условно вложенные в произведения Клайна в 1997 году, к июню 2005-го превратились бы в 173 евро.

Основными покупателями творений художника — 98 % всех продаваемых лотов проходит через американские аукционы — являются американцы.

Чтобы вкладывать средства в живопись Клайна, необходимо хорошо разбираться в американском рынке искусства, который сильно отличается от европейского по многим параметрам. В США произведения искусства, в том числе живописи, приобретаются в основном не для инвестирования, а для личного пользования. Часто покупатели не задумываются о реальности стоимости вещи и борются за нее до победного конца. Согласно статистике продаж, стоимость приблизительно одинаковых по уровню и композиции полотен может отличаться на порядок: одно будет стоить 200 тысяч долларов, другое — 2 миллиона. Причина такого расхождения — индивидуальные предпочтения.

Чтобы вложения в полотна Клайна приносили доход, инвестору необходимо досконально разобраться в его творчестве, а это очень непросто. Даже самому заядлому любителю абстракционизма непросто понять творческий стиль художника — махонинг.

Почему одни пересекающиеся черные линии специалистами по американскому абстракционизму считаются намного лучше других?

Что именно хотел Клайн изобразить на данной картине?

Сколь высок уровень картины по меркам коллекционеров, собирающих живопись Клайна?

Насколько качественна работа с точки зрения особенностей индивидуального стиля художника?

Ответив на эти и другие многочисленные вопросы, можно попробовать инвестировать в живопись Клайна. Хотя, бесспорно, неискушенному инвестору выгоднее и надежнее вкладываться в произведения Ротко или Горки.

Виллем де Кунинг

Виллем де Кунинг (1904–1997) — один из самых авторитетных американских мастеров живописи — приехал в Америку из Роттердама в возрасте двадцати с небольшим лет.

Интересно, что серьезно заниматься живописью он начал, будучи уже тридцатилетним — то есть зрелым, много повидавшим человеком. Возможно, исподволь зревшую в де Кунинге потребность рисовать подтолкнула к реализации дружба с Аршилом Горки, а может быть, глубокое впечатление от знакомства с творчеством П. Пикассо и Ж. Миро сыграло свою животворную роль. Во всяком случае, творческий порыв был очень силен, и уже на рубеже 1930-х — 1940-х годов, когда оформился характерный для него мотив одинокой фигуры, превратившейся в своеобразный живописный тотем, можно было говорить о появлении собственной стилистики художника. Писал он и чисто абстрактные лирические композиции, используя — для экономии краски — лишь черные и белые малярные лаки.

Шедеврами де Кунинга были признаны «фигуративные абстракции» первой половины 1950- х годов — несколько огромных картин, объединенных общим названием «Женщина» (Женщина I, 1950–1952, Музей современного искусства, Нью-Йорк; и др.) и выставленных в 1953 году в галерее Джэнис. Отдельные абстрактные биоморфные формы, с которыми художник работал в предыдущее десятилетие, соединились в них в женские фигуры, которые шокировали публику едва ли не больше, чем первые произведения искусства авангарда. Эти картины моментально разошлись по крупнейшим музеям и коллекциям США.

В середине 1960-х годов, продолжая и пополняя свою знаменитую серию, де Кунинг все большее внимание уделял чисто пейзажным мотивам, преобразуя их почти до полной беспредметности. Его позднее творчество характеризует смягчение агрессивной резкости, появление более ярких цветов и декоративных элементов.

Виллем де Кунинг, как и Франц Клайн, создал огромное количество произведений искусства. Его картинами изобилуют все аукционы, посвященные современной живописи, только на международных торгах в год продается более 35 работ, написанных маслом. Что уж говорить о графике.

Но если для работ Клайна верхний ценовой уровень сегодня составляет 5,7 миллиона долларов, то де Кунинг (и это как бы объединяет его с Марком Ротко) эту планку превысил как минимум вдвое: во всяком случае цена в 10-12 миллионов долларов рынок не удивляет. Да и количество непроданных лотов очень мало, что говорит о высокой популярности художника на рынке. Американские коллекционеры с «непонятным безумием» скупают все работы художника, намного превышая верхние эстимейты.

С инвестиционной точки зрения рассматривать произведения, созданные до 1940 года, смысла не имеет. Они стоят крайне мало и не смогут принести инвестору существенного дохода. Наибольшую доходность имеют «фигуративные абстракции» первой половины 1950-х, составившие серию «женщин». В зависимости от уровня работы их годовой прирост может составлять от 5 до 15 %. Не так много, если не учитывать реальную цену творений — от 2 до 7 миллионов долларов.

Пейзажи менее интересны для коллекционеров, но также могут стоить как 200 тысяч, так и несколько миллионов долларов. Все зависит от композиции работы. Чем более она абстрактна, чем больше на ней видны энергичные мазки-«удары», тем выше будет ее цена.

Вкладывать средства в произведения де Кунинга надо очень аккуратно. Рынок насыщен его работами, и переоцененная вещь может «зависнуть» на неопределенное время. Проблем с продажей высококачественной картины возникнуть не должно, хотя лучше не рассчитывать на работы де Кунинга, как на быстроликвидные активы. Как и в случае с Клайном, основные покупатели полотен де Кунинга сами американцы, поэтому выставлять их с высокими эстимейтами на европейских рынках бесполезно. Однако купить работу на одном американском аукционе и быстро продать на другом тоже не удастся: все эти дома находятся на одном континенте, и отследить аукционную историю той или иной картины очень просто.

Таким образом, картины де Кунинга являются привлекательными для крупных и средних инвесторов объектами долгосрочного вложения средств. Но и им присущи особенности, которые необходимо знать инвестору. Если нет точного понятия, «почему эти три цвета стоят на несколько миллионов дороже тех двух цветов», то лучше не рисковать и обратиться к понятным экспрессионистам или импрессионистам.

Окончание следует…