Директор-Инфо №46'2004
Директор-Инфо №46'2004
Поиск в архиве изданий
Разделы
О нас
Свежий номер
Наша аудитория
Реклама в журнале
Архив
Предложить тему
Рубрикатор








 

Инвестиции в поп-арт. Творчество Э. Уорхола, Л. Риверса, Д. Дайна. Часть 3

Владимир Богданов

В предыдущих частях обзора были рассмотрены инвестиционные аспекты творчества признанных мастеров поп-арта: Роберта Раушенберга, Роя Лихтенштейна, Тома Вессельманна, Джаспера Джонса, Джеймса Розенквиста и Класа Олденберга. Но без таких легендарных имен, как Энди Уорхол, Ларри Риверс и Джим Дайн, даже в заключительной части обзора интереснейшего художественного течения в послевоенном искусстве невозможно поставить не то что точку, но даже и скромную запятую.

Все перечисленные художники в большей или меньшей степени задали динамику явления, определили его стилистическое безграничье, оказали существенное влияние на художественный поиск во многих странах мира, включая творчество отдельных наших «шестидесятников», как оказалось, не очень надежно отгороженных от остального, в том числе и творческого, мира «железным занавесом». Поп-арту сегодня около 50-ти лет — зрелый возраст для современного направления. Многое изменилось: появились новые технологии, новая мода, новая философия. Но не изменился дух поп-арта — дух свободы, внутреннего бунта и поиска нового, стремление удивлять и превращать в искусство окружающие привычные предметы. Как любое мощное историко-культурное явление, поп-арт вызывает серьезный интерес у коллекционеров и инвесторов. Интерес на десятки, сотни тысяч и миллионы долларов.

Энди Уорхол

Урожденный Эндрю Вархола, выходец из семьи чешских иммигрантов, рано потерял отца и был вынужден зарабатывать на жизнь самостоятельно. Подростком он торговал фруктами и… своими рисунками… по доллару за штуку. Мог ли он тогда предполагать, что через пару десятков лет его произведения станут баснословно дороги, самого его нарекут «королем поп-арта», а список профессий пополнится режиссерской, модельной, дизайнерской, издательской и продюсерской? Не Уорхол изобрел поп-арт, но именно он стал лицом этого направления. Он не критиковал культ потребления, а канонизировал его, став кумиром и идолом целого поколения.

Когда Энди Уорхола (Andy Warhol, 1928–1987) спрашивали, почему он решил рисовать бытовые вещи, те же банки супа, он отвечал в таком духе: «Да потому что я его ем. Похожий обед я ем каждый день в течение двадцати лет». Вот так просто, а простые мысли особо располагают к философии.

Трудно представить себе, насколько глубокие философские мысли посещали нового владельца холста «Банка супа “Кэмпбелл”»(1962), который выложил за него в мае 2004 года чуть больше двух миллионов долларов. Ведь он, как и все участники аукциона, хорошо знал, что не в таком уж далеком 1962-м эту вещь можно было успеть купить за 100 долларов — в 20 240 раз дешевле, хоть и доллар «весил» тогда побольше1. Упомянутый «Кэмпбелл» — один из 48- ми «супов», созданных в период 1961–1962: 36 из них вошли в экспозицию Музея Современного Искусства в Нью-Йорке, «на руках» остались лишь несколько экземпляров. Вещи эти нельзя назвать в полной мере тиражными, штамповать шедевры мастерская Уорхола (знаменитая «Фабрика») начала позднее. При создании серии Уорхол уже пользовался трафаретами для логотипа и некоторых других элементов, но дорисовывал каждую вещь вручную. Считается, что «супы» стали переходными вещами в творчестве художника. Уорхол уже начал дистанцироваться от ручного труда и задумался о постановке производства шедевров на поток (на то это и поп-арт). «Кэмбеллы» задумывались как символы общества потребления2, и публика с восторгом оценила прозрачный намек. Плюс ко всему, с «супов» начались знаменитые серии маэстро — для коллекционера это дополнительное провенансное достоинство.

«Супы» считаются «иконами поп-арта» и знаменуют время расцвета творчества Уорхола — полные поисков 1960–1970-е.

«Туфли в алмазной пыли» (1980–1981) — работа менее ценного позднейшего периода. В 1980-х художник часто обращался к истокам — к 1950-м, когда он трудился над оформлением модного журнала Glamour, выполнял высокооплачиваемые дизайнерские заказы и, в частности, занимался дизайном модельной женской обуви для I. Miller Shoes. Женские туфли были известным фетишем Уорхола. В своей студии он собрал огромную коллекцию дамской обуви. Работая над композицией, художник придирчиво отбирал модели, собирал ансамбль, фотографировал на «полароид», выбирал удачный ракурс и лишь потом переносил получившееся на холст. Идею использования алмазной пыли для придания поп-композиции особого шика и элитарности Уорхолу подсказали в 1979 году. На практике же настоящие измельченные алмазы, как ни странно, не смогли обеспечить необходимый блеск и переливы. Добиться нужного эффекта позволила промышленная технология напыления стекла, а алмазы остались преимущественно рекламной уловкой.

Последний период творчества Уорхола — с середины 1980-х — оценивается специалистами неоднозначно. Есть мнение, что мэтр начал сдавать, устал, «исписался», ему не хватало новых идей и выразительных средств. Вопрос спорный, но не случайно ряд вещей в 1980-х годах Энди Уорхол создавал совместно с другими, молодыми и амбициозными художниками. Пожалуй, самым плодотворным периодом этого времени стало сотрудничество Уорхола с Жаном-Мишелем Баскией — очень самобытным чернокожим художником: вместе они создали около сотни масштабных холстов.

По данным аналитического ресурса artprice.com, 100 долларов, условно инвестированные в творения Уорхола в 1997 году, превратились к сентябрю 2004 года в 271 доллар. На пути индекса случались небольшие спады, но общая тенденция — к повышению. Для классиков, к которым уже причислен Уорхол, результат вполне приемлемый. Более того, классиков, которые растут так быстро, на рынке немного. Подобная математика характерна скорее для новых и вновь обретенных имен.

Говорить о каких-то общих ценовых диапазонах для предметов творчества Уорхола довольно сложно: технически сопоставимые вещи по цене могут различаться в разы. Навскидку, согласно сводкам artprice.com, оригинальная графика Уорхола (рисунки и пр.) в 2004 году продавалась за 25–60 тысяч долларов, тиражная — в диапазоне 5–30 тысяч долларов (отдельные тиражные экземпляры тех же «туфлей в алмазах» продавались и по 100 тысяч долларов). Обозначать диапазоны для масштабных нетиражных авторских произведений Уорхола, выполненных акрилом и в смешанной технике, — дело и вовсе неблагодарное. Инвестору лишь стоит учитывать, что счет для таких работ далеко не всегда идет на миллионы. Но и с бюджетом менее 300 тысяч подобрать что-то выдающееся практически невозможно. Впрочем, на аукционном рынке в 2004 году предлагалось множество живописных композиций Уорхола маленького размера (класса 25 х 30 см, этакий массовый поп-арт); покупались эти работы за 20–30 тысяч долларов.

Ларри Риверс

Один из признанных основателей поп-арта Ларри Риверс (Larry Rivers, наст. Ицрох Гроссберг, 1923–2002) первую известность приобрел в 1950-х годах как представитель нью-йоркской школы абстрактного экспрессионизма3. Позже Риверс, как и ряд его коллег, обратился к поп-арту, в который, по мнению критиков, привнес выразительность абстрактного экспрессионизма, наложив его на предметную узнаваемую фактуру.

Ларри Гроссбергу не было еще и 20-ти, когда он начал свою карьеру музыканта — джазового саксофониста. Тогда же он сменил фамилию на Риверс.

К живописи Риверс пришел спонтанно: как говорится, музыкой навеяло и картинами Жоржа Брака4. Получил профессиональное художественное образование, учился у Ханса Хофманна, приемы которого использовали представители абстрактного экспрессионизма, позднее в нью-йоркском университете встретил Виллема де Кунинга, одного из лидеров этого направления. В целом нет ничего удивительного в том, что Риверс совершил первые заметные творческие шаги именно на поприще абстрактного экспрессионизма.

Вместе с тем зрелый Риверс — художник, безусловно, предметный. В историю вошли его программные холсты класса «Переход Вашингтона через Делавэр» (1953), «История русской революции от Маркса до Маяковского» (1965, 30 частей), «История еврейского народа» (1982–1984). Классическими поп-артовскими вещами являются вариации его «Голландских мастеров» (Dutchmasters) — рекламная мистификация для промоушена сигарной марки Dutch Masters. Ассоциативный ряд со стариной, старыми голландскими мастерами Ларри Риверс продолжил не мудрствуя лукаво: переделал портрет старейшин суконного цеха Рембрандта («Синдики»; 1662; Рейксмюсеум, Амстердам), разместив его на рекламном щите. Думаю, что далеко не все прохожие Лонг-Айленда догадывались, что на них со всех сторон смотрят персонажи Рембрандта5. Вообще, такой сарказм был вполне в духе художника. В авторитетных исторических деятелях он профессионально ценил в первую очередь харизму (как рекламный потенциал образа) и «карточку» (узнаваемость) — будь то Вашингтон или Наполеон, неважно.

Публика на ура воспринимала ироничный авторский стиль. В поп-арте главное — эмоции, новые ощущения, рождаемые привычными предметами: денежными купюрами, сигаретными пачками, игральными картами — да мало ли что человека окружает! И Риверс этим настроениям успешно потакал, во многом сам их насаждал и умел удивлять.

В частности, он одним из первых, в конце 1960-х начал использовать в живописи краскопульты и баллончики с краской.

С инвестиционной точки зрения Ларри Риверс, к сожалению, не самый предсказуемый художник. По состоянию на сентябрь 2004 года: 100 долларов, условно вложенные в его произведения 7 лет назад, превратились в 174 доллара. В 2003-м этот показатель был на уровне 300 долларов. Очевидно, всплеск интереса был связан со смертью художника (2002), но дальше рост почему-то не продолжился. Вероятно, пока не продолжился. Можно предположить, что рынку требуется время, чтобы «переварить» истинное значение художественного наследия одного из основателей поп-арта.

Крупноформатная живопись Ларри Риверса (масло класса 150 х 150) в 2004 году продавалась в ценовом диапазоне 60–100 тысяч долларов. Хорошая графика — за 10–15 тысяч долларов. Цены на тиражную графику (постеры, литографии и пр.) держались в пределах 1000 долларов.

Джим Дайн

Джим Дайн (Jim Dine, 1935) — герой нью-йоркских хэппенингов конца 1950-х, художник с лицом пирата, за 40 лет активной творческой карьеры, по некоторым данным, создал около трех тысяч художественных произведений. Среди них немало запоминающихся, популярных: «сердца», «халаты» и, конечно же, «венеры».

Халаты суть вещи метафорические: так Дайн рисует свои «автопортреты». Халаты, понятно, непростые — то прозрачные с видом неба, то с причудливыми геометрическими узорами.

С 1980-х повторяющимся мотивом в творчестве художника стала скульптура Венеры Милосской: таинственная богиня силами Джима Дайна предстала во множестве необычных ипостасей, растиражированных миллионами постеров.

Формально инвестиционная математика по творчеству Джима Дайна еще менее впечатляющая, чем у Ларри Риверса: 100 долларов, условно инвестированные в 1997 году, превратились в 165 долларов в 2004 году. Но есть принципиальное отличие. Цены на работы ныне здравствующего Дайна (в отличие от Риверса) в целом растут. С 2002 года его ценовой индекс вырос более чем на 70 %. Впрочем, ценовая кривая работ Дайна также имеет синусоидальную форму: не исключено, что на 2004 год приходится лишь очередной пик, после которого снова последует спад. С современной живописью такое случается нередко. В 2004 году масштабная живопись Джима Дайна находила своего покупателя в ценовом диапазоне 70–150 тысяч долларов. Оригинальная графика может стоить 12–35 тысяч долларов. Тиражная графика котируется в довольно широком диапазоне — 1–6 тысяч долларов.


1 100 долларов 1960-х по своей покупательной способности соответствовали приблизительно 600-м долларам в наше время. Возврат

2 Есть мнение, что переход на язык простых символов в творчестве Уорхола произошел под влиянием успешных экспериментов Джаспера Джонса, чьи фирменные «флаги», «мишени» и «цифры» уже пришлись по вкусу публике. Возврат

3 Американцы считают период 1950-х и направление абстрактного экспрессионизма особенно ценным в национальной живописи, по праву гордясь новаторством его представителей (Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Ива Клейна). Есть мнение, что поп-арт 1960-х стал логическим развитием «преодоленного» абстрактного экспрессионизма. «На смену» эмоциональной живописи экспрессионистов пришли холодные, почти графически оточенные композиции в стиле поп-арта с экспериментальной техникой, предметностью, апелляциями к потребительскому сознанию и с нарочитой эксплуатацией символов масс-культуры. В частности, ныне признанные новаторы поп-арта Клас Олденберг, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Джим Дайн тоже начинали в 1950-х как абстрактные экспрессионисты. Возврат

4 Жорж Брак (1882–1963) — один из основателей кубизма наряду с Пабло Пикассо. Возврат

5 Правда, в источниках встречается мнение, что Ларри Риверс загадок особо не любил и охотно расшифровывал для зрителей подтекст своих произведений. Возврат